Oltre 50 anni dopo l'affermarsi del fenomeno Pop sulla scena artistica, la Barbican Gallery, in collaborazione con il Vitra Design Museum, organizza la prima mostra che indaga il rapporto tra la Pop Art e il Design ludico dello stesso periodo. Chiunque conosca Campbell's Soup Cans di Andy Warhol avrà facilmente capito l'influenza del mondo del design sul movimento della pop art. Eppure, fino a questo mese, nessun museo importante aveva mai messo in scena una mostra che esplorasse questo rapporto tra l'arte e l'analogo sviluppo nella progettazione.

Bocca, sofà, 1970. Studio 65 – Prodotto da Gufram Collezione Vitra Design Museum (Fotografia: Alberto Peroli)
in foto: Bocca, sofà, 1970. Studio 65 – Prodotto da Gufram Collezione Vitra Design Museum (Fotografia: Alberto Peroli)

Gli artisti Pop indagano il culto della celebrità, il feticismo delle merci e la proliferazione dei media che permeava la vita quotidiana in America e nel Regno Unito dopo la seconda guerra mondiale. Adottando il linguaggio del design, della pubblicità, della televisione e del commercio sono riusciti a creare un'opera giocosa, ma spesso anche volutamente irriverente e provocatoria. A loro volta, i progettisti del design quotidiano guardavano alla Pop Art come una fonte costante di ispirazione.

Smoker Banner, 1971. Tom Wesselmann (Fotografia: Tenuta di Tom Wesselmann / DA, London / VAGA, NY, 2013)
in foto: Smoker Banner, 1971. Tom Wesselmann (Fotografia: Tenuta di Tom Wesselmann / DA, London / VAGA, NY, 2013)

Forse, nei primi anni, la visualizzazione di una morbida scultura Claes Oldenburg accanto a un divano di Gaetano Pesce avrebbe minato le credenziali della fine-art. Più di recente, l'associazione poteva sembrare così ovvia da destare qualche reticenza curatoriale comprensibile. L'idea è che entrambi sono prodotti della stessa età, un periodo in cui artisti come Warhol trovavano la bellezza negli oggetti di produzione di massa e nelle immagini della vita quotidiana, e quando designer come Charles e Ray Eames utilizzavano nuove tecnologie per rendere tali oggetti e immagini più accattivanti. Era un momento di cancellazione delle gerarchie, di alta e bassa arte. L'effetto combinato è una celebrazione luminosa dell'energia e della produzione del dopoguerra in America, con i suoi ammiratori in Europa.

Close Cover Before Striking, 1962. Andy Warhol – Collection Louisiana Museum of Modern Art (Fotografia: The Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society, New York / DA, London 2013)
in foto: Close Cover Before Striking, 1962. Andy Warhol – Collection Louisiana Museum of Modern Art (Fotografia: The Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society, New York / DA, London 2013)

La mostra Pop Art Design dipinge dunque una nuova foto del movimento Pop, che riconosce il ruolo centrale svolto dal design sull'arte. Con più di 200 opere di oltre 70 artisti e designer, la mostra comprende opere iconiche o meno note di artisti come Peter Blake, Pauline Boty, Judy Chicago, Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Joe Tilson e Andy Warhol, a fianco di oggetti di Achille Castiglioni, Charles e Ray Eames, Peter Murdoch, George Nelson, Gaetano Pesce e Ettore Sottsass. Pop Art Design presenta anche una ricchezza di materiale grafico da manifesti di album e copertine di riviste, così come film, fotografie e documentazione di interni e architetture Pop.

La mostra rende così evidente che la Pop Art era tutt'altro che un fenomeno omogeneo, ma piuttosto combinato con un gran numero di posizioni diverse. Artisti come Jasper Johns e Ed Ruscha hanno scoperto una nuova realtà, in particolare nel diluvio di artificialità e superficialità diffusa dai luoghi comuni dei media. Il francese Raymond Hains e l'American Claes Oldenburg hanno lavorato con il recepimento delle proporzioni e delle dimensioni, metodi che sono stati successivamente perseguiti nei disegni di Gaetano Pesce o Studio 65.

Artisti come Robert Indiana e Judy Chicago, a loro volta, hanno preso ispirazione dall'arte popolare, come il designer Alexander Girard e Ettore Sottsass avevano fatto prima. Altre tendenze sono andate nella direzione della pittura, come ad esempio le opere di Alan D'Arcangelo o Richard Artschwager che presentano una sorprendente vicinanza ad oggetti come gli armadi Superbox di Sottsass. Ma non solo i motivi, ma anche le strategie di presentazione e la commercializzazione di artisti e designer convergevano tra loro.

In mostra dunque la difficoltà per i visitatori potrebbe soltanto sorgere nel distinguere tra le opere di design e e quelle d'arte. La piscina di Verner Panton del 1969 ad esempio non sembra un'installazione di Jorge Pardo?